jueves, 7 de noviembre de 2013

Finlandia será la protagonista en Arco 2014

A pesar de los fríos y las pocas horas de luz de Finlandia, este país es envidiado por muchos por su educación, su cultura, su música o su diseño. Sin embargo poco es lo que se sabe de sus artistas y el arte que se está generar en los últimos años. 




La próxima edición de Arco que se llevará a cabo en Madrid, como es habitual, será entre los días 19 y 23 de Febrero de 2014. Entre los artistas fineses participantes se encuentran muchos nombres de mujer como: Eija-Liisa Ahtila o Heta Kuchka. La selección de galerías que están presentes en la muestra acercarán a nuestro país la visión global que tiene su arte contemporáneo, así como la cultura visual que viene ya desde las más antiguas tradiciones artísticas. 

domingo, 22 de septiembre de 2013

Como superar las diferencias entre nosotros.

En esta tarde he llegado a un par de conclusiones y tras tener bastante abandonado el blog, he decidido plasmarlas.

Por un lado considero que un buen modo de superar el racismo es enseñar a los niños desde pequeños el Proceso de Hominización, ya que tras conocerlo se nos hace confuso saber de dónde somos... Si africanos, si asiáticos... 
¡¡¡¡ En realidad somos del mundo!!!!

Por otro lado también está bien que las personas adultas sean conscientes de esta evolución. A veces nos tenemos que relacionar con personas que muestran actitudes poco civilizadas. Así que en lugar de enfadarnos con ellos podemos pensar positivamente. ¡Todavía no están lo suficientemente evolucionados los pobres! 

Esto todo me recuerda a un blog que me han recomendado ya en varias ocasiones. (Yo mono). Si soy sincera solo lo he visto por encima, pero por lo que me tienen comentado, igual puede hacer referencia a todo esto.



miércoles, 13 de marzo de 2013

EL COMPROMISO HECHO ARTE, UN ACERCAMIENTO A LA OBRA DE AI WEIWEI

Ai Weiwei es uno de los artistas de procedencia china más influyentes de las últimas décadas. El artista es tanto conocido por su producción, dentro del arte conceptual y la performance, como por cuestiones políticas. Nació en 1957 y con tan solo 22 años de edad ya fue uno de los miembros fundadores del grupo artístico Xingxing. Este colectivo artístico tan solo tuvo 2 años de vida y tras su disolución Ai viajó a Estados Unidos para estudiar el Pop Art, el Arte Conceptual y el Minimalismo. Estas tendencias junto al dadaísta Marcel Duchamp podremos ver cómo han influenciado su obra a lo largo de los años. 

En la obra de Ai Weiwei domina la armonía entre la postmodernidad occidental con un proceso de trabajo artesanal de madera y porcelana despreciado en China durante la Revolución Cultural. En general Ai tiene un discurso ecléctico y variado, adaptado este a cada situación conceptual, entremezclándose muchas veces lo antiguo con la cultura más actual.
El artista chino, en sus inicios por ejemplo pintó el logotipo de Coca Cola sobre vasijas en un acto total de Apropiacionismo y Pop Art, o también confeccionó esculturas usando como base bicicletas.
Ai Weiwei cuestiona la tradición, lo que ha estado sucediendo durante siglos en su China natal. En La vasija de Coca Cola contemplamos como emplea de soporte una vajita con cientos de años de antigüedad para estampar encima un símbolo tan global, popular y actual como son las letras de la marca de refrescos Coca Cola. Esta intervención realizada en varias ocasiones, pues Weiwei cuenta con varias obras de estas características, supone un choque perceptivo y conceptual al entrelazar un anagrama de nuestro tiempo con un objetivo que cuenta con varios siglos a sus espaldas. La vasija de Coca Cola nos refleja lo inevitable, que Ai es un gran heredero del arte tradicional chino, pero a su vez cuenta con un notable peso de las vanguardias occidentales del siglo XX, teniendo esta pieza una clara influencia tanto de Andy Warhol como de Duchamp.

Este carácter de trabajo conceptual y la influencia del dadaísmo y Duchamp lo apreciamos muy bien en su obra Forever del año 2003, en la cual un número significativo de bicicletas son entrelazadas entre sí por las ruedas y el eje, un claro ejemplo de ready-made con reminiscencia totalmente del artista francés.
Las bicicletas son el principal medio de transporte en China, pero Weiwei las aparta de su función principal y las mantiene estáticas. La libertad del ciclista se pierde y las bicicletas se amontonan unas sobre otras en un laberinto. La libertad de estas bicicletas es cortada como la libertad del pueblo chino.  

Sunflower Seeds, (Semillas de girasol) presentada en el año 2010 es quizá la obra más famosa del artista chino. Se trata de  una instalación con más de 100 millones de pipas hechas de porcelana. Sin duda la obra responde a magnitudes realmente chinas. Estas pipas de porcelana fueron hechas y pintadas a mano por más de 1.600 artesanos del pueblo de Jingdezhen durante 2 años. Las pequeñas piezas han quedado exactamente como si fueran reales, otra cualidad china es el poder de la imitación. La intención de esta obra es que los visitantes puedan acceder a ella, coger las pipas con las manos y caminar sobre ellas, como si estuvieran paseando por una playa. Esta instalación es una experiencia además de visual, también táctil y sonora. Lo que Ai Weiwei nos quiere contar con esta obra es lo sucedido con Mao, él cual se presentaba como sol y los individuos como girasoles que giraban en torno a él. Al mismo tiempo, comer pipas según el propio artista “era un espacio para el placer, la amistad y la amabilidad durante un tiempo de extremada pobreza, represión e incerteza”.  


A pesar de seguir trabajando con conceptos e instalaciones de grandes dimensiones, Ai Weiwei no solo se apropia de objetos o reinterpreta lo cotidiano dotándolo de nuevos significados. Una de sus geniales aportaciones al mundo del arte es el conjunto de 12 piezas escultóricas que llevan por nombre Círculo del zodiaco/Cabezas de animales.  Con sus cabezas de bronce el artista medita a diferentes niveles, pone en duda el concepto de “tesoro nacional”, reflexiona sobre la relación atormentada entre China y Occidente, o sobre el poder político, todo ello en un tono de humor propio de uno de los críticos sociales chinos más valiente de nuestros días. El Horóscopo Chino es un reflejo de las energías cósmicas y de cómo estás influyen en diferentes aspectos individuales de las personas y a grandes rasgos de la sociedad.

Ai Weiwei no solo trabaja con conceptos y sensaciones recreados en sus esculturas o performance, también ha dado pasos más allá como por ejemplo con el Estadio Nacional de Pekin, edificado con motivo de las Olimpiadas de 2008 y que lleva por nombre El nido de pájaros. Ai fue el artista plástico que ideo el edificio para posteriormente ser proyectado por el prestigioso grupo suizo Herzog & de Meuron, los cuales volverían a trabajar juntos en otros proyectos.
El nido de pájaros recibe este nombre por toda la red de acero con que está configurada la parte exterior del edificio. El estadio fue concebido para incorporar elementos de la cultura y del arte chino, a la vez de pretender ser un edificio elegante. Desde el exterior podemos contemplar toda una maraña gris, como si de hilos se tratara, sin embargo, una vez con su interior iluminado en estado emana una luminosidad y calidez en pleno contraste con su exterior austero y gris. Comentar como curiosidad que el edificio está equipado con un sistema de energía solar y de recogida de agua de lluvia para su limpieza y riego.

Como hemos podido ver, su obra cuenta con peso más que suficiente por sí misma y no necesita de ese marketing político que ha rodeado en varias ocasiones a Ai Weiwei. El artista es una persona comprometida con el pasado y la historia de China, con su tiempo, con su sociedad y emplea sus obras para criticar todos los terrores que han sucedido y suceden, así también para que los espectadores reflexionen y se conciencien.

- Podeis leer este artículo y otros en: 


 http://www.asociacionanhad.org/





lunes, 11 de marzo de 2013

Claves para enfrentarse al mundo de hoy - Redes para la Ciencia

Me ha parecido muy interesante el programa de ayer con el británico Mark Stevenson. Algunas de sus aportaciones interesantes son:
  • Somos lo que hacemos, y no lo que tenemos intención de hacer.
  • Las ideas deben compartirse, no protegerse.
  • Los optimistas pragmáticos siempre están tan ocupados, porque mientras el resto de las personas se dedican a imaginar lo que podrían llegar a ser. ellos lo ponen en práctica.
  • Cuando te embarcas en un proyecto grande, debes planteártelo como un torneo muy largo.


El link del programa.

http://www.redesparalaciencia.com/8478/redes/redes-147-claves-para-enfrentarse-al-mundo-hoy

Manifiesto Artístico TEORÍA INVOLUNTARIA DE UNA MUERTE CONFRONTADA


El Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge el jueves 14 de marzo a las 12:00h., la presentación internacional del nuevo manifiesto artístico Teoría Involuntaria de una Muerte Confrontada. Los artistas Omar Jerez y Abel Azcona darán a conocer esta teoría que manifiesta y simboliza la voluntad de estilo de un grupo de artistas. 


The Circle of Fine Arts of Madrid hosts this Thursday march 14th at 12:00 hours, the international presentation of the new artistic manifesto Involuntary Theory of a Confronted Death . The artists Omar Jerez and Abel Azcona will announce this theory that represents and symbolizes the will of style of a group of artists.

sábado, 9 de marzo de 2013

Mujer, arte y creatividad - Encuentros 8 de Marzo

En el día de ayer, con motivo del Día de la Mujer se celebraron toda una serie de actos y entre ellos una exposición en el Centro Cultural Marcos Valcarcel de Ourense, en la cual tuve el honor de participar y aun más honor de hacer una pequeña presentación de cada una de sus obras. 


Hice una pequeña crónica que pronto saldrá publicada en PAC:

Desde el 8 de Marzo y hasta el 21 de Abril se puede contemplar en el Centro Cultural Marcos Valcarcel de Ourense la exposición: "Encontros 8 de Marzo - Muller, Arte e Creatividade".


En la muestra podemos contemplar obras de diferentes naturalezas, desde lo más clásico de las pinturas hechas a oleo, a fotografías tratadas con medios tecnológicos o instalaciones multidisciplinares.
La temática principal de la exposición es la desnudez de la mujer madura, la cual queda muy bien plasmada en toda una serie de fotografías de diferentes autoras donde contemplamos a mujeres maduras desde una nueva perspectiva. Sin embargo también se trabajan otras temáticas en la muestra, como son lo absurdo de los medios de comunicación, la frivolidad, lo artificial, los convencionalismos, diversas criticas a nuestra sociedad o la enfermedad del cáncer de mama padecida hoy en día por muchas mujeres.


Las artistas participantes son: Gema Pérez, Natalia Figueiras, Lara Garcia, Asún Adá, Iria Prol, Mercé, Flora Fernández, Socorro Balvís, Alba Rubín, Ana Iglesias, Rosa Villar Pumar, Iolanda Rodriguez, Carlota Cubelos, Ana Skette, Tareixa Taboada, Mett, Beatriz Carracedo, Leticia Rodriguez, Maria Vilar, Esther Rodriguez, Elena Nieto, Lua Louro, Luchy Polo, Iris Blanco, Gloria Pedrouzo y Diana Martínez Castro.




Según Uta Grosenick: "El buen arte no tiene sexo: así argumentan los críticos del feminismo, que prefieren eludir el debate sobre los mecanismos sociales y la realidad de la lucha entre los sexos. Por el contrario, en los actuales debates sobre el "género" asumen el punto de vista de que el sexo no es algo natural sino que ha de contemplarse como una construcción social. Es muy probable que estas dos opiniones no han influido, ni influyan ahora, sobre la (auto) conciencia con la que las mujeres se convertían y siguen convirtiéndose en artistas".



Lo mejor fue cuando me presentaron como Diana Castro omitiendo que soy hija de mi padre... pero ello me facilitó el poder presentar mi obra como Diana Martínez, hablando en tercera persona y que no se notara diferencia alguna con el resto de las mujeres que exponían. A partir de ahora creo firmaré como Violetta Sigurdson por si me volviera a ver en un futuro en una tesitura parecida. 







lunes, 25 de febrero de 2013

La divergencia de intereses converge en la creatividad.

Nuestro sistema educativo está resultando cada vez más un fracaso y uno de los motivos bastante claros es que no nos enseñan a ser mentes creativas. Nos enseñan a buscar una única respuesta cuando puede haber varias (lo cual también corta el desarrollo de nuestra empatia con los otros), que existe un único pensamiento, el de la lógica... cuando los pensamientos son múltiples!!! Le dan un gran peso a las ciencias en detrimento de la cultura o la lingüística, sin las cuales, entre otras, no estaríamos aquí como humanidad propiamente dicha. Y sobre todo nos enseñan a especializarnos cada vez más y más, lo cual nos hace saber cada vez más de una única cosa y menos del resto.


Cuando empecé a estudiar en la Facultad de Bellas Artes tenía el sentimiento de que no me debía seguir interesando la Historia. Al final dejé la Facultad de Bellas Artes y me terminé Licenciado en Historia. Ya con anterioridad me vi en la necesidad de elegir una orientación en Bachillerato y la elegida fue la vía de Artes... sin embargo durante la Educación Secundaria Obligatoria los números se me daban realmente bien, tanto en Matemáticas como en Física era bastante buena. ( Biología y Geología por ejemplo nunca me han gustado). Además ciertos bloques dentro de las artes (proporciones, perspectiva, música...) están estrechamente ligadas con los números. ¿No podríamos a la vez de seguir nuestro itinerario completar nuestra formación con otras materias de nuestra necesidad y a la vez estas estar reconocidas como algo bueno?

No hace mucho empecé un curso de Lógica, la cual está tanto ligada a la Física como a la Filosofía... cuando la mayoría de las personas la asocian solo a una de las materias. A su vez también la creatividad propiamente dicha se asocia a pintores o escultores, cuando hoy en día sabemos que sin ella muchos inventos científicos no serían posibles. 



La especialización por una parte está muy bien, una persona o grupo de personas son los grandes conocedores de un tema, pero para que la creatividad se desarrolle es necesario ser mentalmente divergente y abrirse a otros campos para así relacionar unas ideas con otras. Modo este único de  llegar a ideas verdaderamente innovadoras y creativas.

En una sociedad cada vez más exigente debemos estar preparados para asumir nuevos retos, lo cual solo es posible si sabemos salirnos un poco de nuestro campo de especialización, asumir y relacionar diferentes conceptos, para a su vez llegar a una nueva formula. Nueva formula que sin un proceso creativo no sería posible y proceso que sin otros conocimientos fuera de nuestra pequeña área de especialización nunca se llevaría a cabo.



domingo, 10 de febrero de 2013

Kaj Stenvall y su mitificación del Pato Donald.


Kaj Stenvall es un prestigioso artista de renombre finlandés que nace el día de navidad del año 1951 en la ciudad de Tampere. A pesar de su interés por la pintura desde joven, este pintor se hizo famoso a finales de los años 80 debido a la fascinación que muestra en sus obras por el famoso pato de Disney, por el Pato Donald. En la actualidad además de artista también cuenta con una coqueta galería en la ciudad de Helsinki. 



El artista finlandés pinta con oleos, sin embargo como podemos apreciar, sus pinturas no tienen para nada aspecto antiguo. Stenvall no aspira a hacer un arte precioso, sino que usa sus obras como vehículo para expresar las emociones humanas. Es un especial admirador de Diego Velázquez, Johannes Vermeer, Edward Hopper o el Romanticismo, y un excelente conocedor de toda la Historia del Arte, de lo cual no cabe la menor duda si nos atrevemos a profundizar en sus sorprendentes pinturas.
En un principio, nuestro artista intentó hacer un arte serio y con ese realismo que tanto le gustaba, pero desde la década de los 80 y hasta nuestros días comenzó a introducir personajes pop en sus pinturas. La pintura de Kaj Stenvall es realista, minuciosa y encantadora, sin embargo sumerge elementos fantásticos en cada una de sus obras llegándonos a mostrar un “surrealismo cotidiano”. Nos muestra a su famoso pato en diversas facetas, situaciones o mismamente incorporándolo como personaje central en las grandes obras de otros artistas. 



El personaje principal en estas dos últimas décadas y algo más ha sido el pato. Pero no siempre es un pato blanco y masculino, sino que a veces encontramos un pato de otro color o una patita alegre, divertida y presumida. El blanco es una constante en sus obras, si observamos unas pocas de ellas lo podemos apreciar con gran facilidad, no solo en el tratamiento del pato o los patos, sino en todo lo que contiene la escena que nos está mostrando el finlandés. 



Sus patos están totalmente personificados, muestran gestos y actitudes como si de seres humanos se tratara. También los viste como tal. Realmente lo que nos muestra Kaj Stenvall no son animales, no vemos ningún comportamiento animal, sino unos seres fantásticos mostrándonos todos los estados actitudinales o emocionales que puede llevar consigo cualquier ser humano. 



El artista en sus pinturas captura con una sublime delicadeza emociones y expresiones en los rostros. Nos demuestra que además de un excelente pintor y compositor de todo tipo de escenas, es un perfecto conocedor de la anatomía facial. Sabe aplicar perfectamente el desarrollo de los músculos faciales humanos para personificar a sus fantásticos personajes. 



Kaj Stenvall acertó utilizando personajes pop en sus obras y concretamente humanizando al pato, lo cual le llevó a tener este estilo tan propio y característico hasta el momento nunca visto. Son pinturas que a pesar de ser hechas en Finlandia, un país un poco lejano y frío para algunos, se nos hacen obras cómodas y cercanas al observador. Estas obras tienen realmente un diálogo con el espectador, a pesar de que en un principio puedan chocar o incluso tener cierto toque de absurdo, son realmente unas estampas que al observador se le hacen cercanas y cotidianas. Nuestro artista es una persona fascinada por todo el realismo y la tradición pictórica a lo largo de los siglos anteriores a las vanguardias, pero lleva este realismo de un modo muy propio, llegando además a lo cómico y a lo trágico, o al revés, con un buen toque de humor.  



En palabras del propio Stenvall al análisis de su obra cabe añadir: “El pato no es más que un símbolo, es el material que sirve de intermediario, el símbolo es el Hombre. El carácter que tienen las ilustraciones es mostrar el dilema del ser humano. El pato no simbolizada nada para mí, personalmente. El es usado como el catalizador en el proceso gracias al cual el ojo del espectador podrá interpretar”.  



Resaltar que el finlandés a diferencia de otros artistas es un trabajador nato, no espera que la inspiración llegue, sino que trabaja y trabaja mientras le van surgiendo ideas. Una buena muestra de ello es la amplia producción que tiene a sus espaldas. Es un verdadero creador sumergido en el acto de pintar.
Añadir como curiosidad dentro de la obra de Kaj Stenvall, que durante este último año, tal como trabajaba la figura del pato en sus obras, ha trabajado la figura de un perro con aspecto también de serie de animación. 



En la pintura de Stenvall además de la influencia de los grandes artistas y las grandes obras de arte no podemos olvidar la de las películas y series de animación entre otras, los famosos cómics o la literatura. Su obra tiene un significado propio, pero sin perder esa atmósfera del Pop Art norteamericano y del Surrealismo. Sus figuras son un retornar a la cultura popular y contribuir al absurdo como si del Surrealismo de Magritte se pudiera tratar. Dicho artista junto a su obra, es una de las mayores curiosidades del arte actual tanto en Finlandia como a nivel internacional.

Apoyo para el artículo:

sábado, 9 de febrero de 2013

Reflexión sobre los diferentes usos de twitter.

En los últimos años, la red social de microbloggins Twitter se ha hecho indispensable en la vida de algunas personas. ¿Pero todo el mundo le da el mismo uso? ¿Cual sería el más adecuado?

Desde mi punto de vista es una herramienta realmente útil para seguir las noticias o eventos de nuestro interés, relacionarnos con gente de nuestro sector profesional o mantener debates gracias a los hashtag. Sin embargo no todo el mundo utiliza twitter desde el mismo punto de vista y creo es interesante realizar un pequeño análisis (clasificador en grandes rasgos) sobre los diferentes usos de esta red social.



- Con fines profesionales: Una persona crea en twitter su perfil profesional, aporta al mismo una pequeña biografía profesional de sí mismo y entre sus seguidores y perfiles a los que sigue están instituciones, personas, colectivos o publicaciones entre otros de su sector. Suele ser una persona con estudios universitarios superiores, con inquietudes, pasión por su profesión y que le gusta estar informado de los últimos acontecimientos.

- Con fines de cotilleo: La persona que tiene este tipo de twitter no necesariamente es una persona sin formación, que es algo que llama bastante la atención. Sus twitts acostumbran a ser frases que lee en alguna revista, escucha en la televisión o los geniales acontecimientos que suceden en su día. Sigue a personajes tan variopintas como Kiko Ribera, el programa Hombres, mujeres y viceversa o a la "ilustre" Belén Esteban.

- Con fines de ególatras: Son personas que hablan con el fin de que los demás conozcan su vida en profundidad (suelen a hacer lo mismo en otras redes sociales o blogs). La persona que tiene un twitter casi en su totalidad destinado a esta finalidad acostumbra a escribir sobre lo negativa que es su vida, relata sus más íntimos sentimientos o acontecimientos como si no se tratara de un lugar público y le encanta usar herramientas como "ask" para que sus otros amigos (con un mismo patrón de usar twitter), le hagan preguntas, las cuales también publica en su twitter.

- Con fines de expresas pensamientos: La persona que tiene este tipo de twitter acostumbra a seguir twitter de frases famosas y con significado profundo que con cierta frecuencia retwittea, además de incorporar a su propio twitter frases de cosecha propia.

- Con fines de transmitir lo sucedido: Esta persona suele twittear casi al segundo, es una verdadera adicta a twitter. Todas las noticias que ve en medios de comunicación, blogs u otro tipo de páginas web, las traslada a su twitter. No debemos olvidar que esta persona es una gran seguidora de twitters con el mismo fin de transmitir lo sucedido, con lo que también los retwitts de estos otros perfiles son frecuentes.



Necesariamente una persona no tiene un twitter destinado solo a una de estas funciones, sino que en ocasiones se intercalan varias de ellas. Es curioso como una misma herramienta puede entenderse desde óptimas tan diferentes y como desde el uso que le da cada persona, podemos ver una buena definición de su personalidad.

viernes, 8 de febrero de 2013

Exposición Lazcano "Miradas duras, miradas blandas" en el MMO

Todavía se puede ver hasta el domingo 10 en el Museo Municipal de Ourense!!!


La exposición de Lazcano nos acerca al imaginario del artista y a su persona. Es un artista por un lado expresionista, lo cual percibimos muy bien por su pincela espesa y en ocasiones informalista matérico, ya que gusta de experimentar con nuevos materiales en su obra sin cerrarse a los materiales clásicos de la pintura. Podemos observar el empleo del cartón como soporte, o como crea texturas con pastas, arenillas, cenizas, recortes de periódico, pajas o incluso telas. La obra que expone en el museo nos habla sin duda de su fascinación por Goya, ya que cuenta con un número amplio de obras que reproducen a su manera la obra del zaragozano. Pero por otro lado también del contexto donde vive el artista. Vemos las acacias sobre el rio Miño, las cepas de cualquier rincón de nuestra geografía o los montes tanto de Piñor como Toén, lugar en el cual tiene Lazcano su estudio. Sin olvidarnos de personajes importantes para nuestro artista como el Padre Aníbal o el compositor de música jazz estadounidense, Charlie Parker.



Se trata de una exposición muy didáctica no solo para conocer al artista, sino para relacionar su obra con otros artistas como Francis Bacon con el tema de la crucifixión de Cristo tratada en trípticos de un modo grotesco o la deformación de los rostros para dar mayor dramatismo. Con Goya mientras se les enseña a los visitantes reproducciones de los grabados para que estos comprendan la influencia y los desastres de la Guerra de la Independencia Española o con Tapies y toda la Vanguardia Informalista.
Sorprende mucho a los visitantes la dualidad de la obra de Lazcano, como el artista en la primera sala muestra horrores y desastres de la historia de la humanidad, para a continuación observar en la segunda sala una pintura más personal y dulce, que nos acerca al entorno del artista.



Se les explica a los visitantes todo el significado del color y la importancia que este tiene en la obra de Lazcano. “Miradas duras” donde predominan las tonalidades ocres, tierras, marrones, violetas y rojos muy sangrantes en contraste con lo que se encuentran en “Miradas blandas”, paisajes ensoñadores con tonalidades azules y verdes muy relajantes, que nada tienen que ver con las desgracias observadas anteriormente.
Para finalizar añadir que a pesar de ser una obra compleja para los más pequeños, gracias al feedback con la guía y a su curiosidad innata, los niños salen comprendiendo qué es un museo y la extraordinaria obra de Lazcano.

Mi aportación a Arte y un Café que sean dos!!!!

Con motivo de que los días 14 y 15 de febrero se celebrará en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid la segunda edición de Arte y un Café, os dejo mi ponencia online.

http://arteyuncafe.veo-arte.com/archives/1877

martes, 5 de febrero de 2013

LOS PIONEROS DEL LAND ART EN NUESTROS DÍAS

Os dejo aquí un artículo que escribí hace algunos meses para la revista de ANHAD.

A finales de los años setenta, tanto en Estados Unidos como en Europa, surgió un nuevo movimiento artístico denominado Land Art. Este movimiento nació gracias a que los artistas se fueron desvinculando de los espacios propios del arte como: el taller, las galerías, los museos e incluso la propia ciudad. En el Land Art, también conocido como Earth Art, el paisaje natural se convierte en medio y en lugar de la obra de arte. El movimiento ha seguido evolucionando en los últimos años, y algunos de los artistas del Land Art han regresado ocasionalmente a los viejos espacios. Con este artículo se pretende hacer una aproximación a las obras más actuales desarrolladas por aquellos artistas pioneros en el movimiento. Dennis Oppenheim, fallecido el pasado año 2011, ha sido uno de los artistas más representativos del Earth Art cuyas obras son las más ensoñadoras dentro Arte contemporáneo del movimiento. Esta fantasía está presente en obras como Light Chamber del año 2010, situada junto al Centro Judicial de Denver. 



A primera vista vemos los pétalos de flores que delimitan la escultura. Este conjunto es interpretado como el proceso mental, un conjunto de rincones y grietas que tiene toda toma de decisiones dentro del sistema judicial. Los pétalos se abren al exterior, sin embargo la parte interna de la obra es oscura, la oscuridad que puede envolver cualquier actividad judicial que se dé.
Richard Serra, hijo de padre español y ganador del premio Príncipe de Asturias en 2010, es uno de los escultores minimalistas, y de obras de gran tamaño, más relevante de Estados Unidos. Una de sus obras más recientes es la que lleva por título 7 del año 2011, y que está compuesta por siete planos.
La escultura se encuentra situada en el puerto de la capital de Catar .


La escultura de acero, de poco más de veinticuatro metros de altura, ya ha comenzado su proceso de oxidación, creando sombras de color naranja en la superficie de la obra. Por lo tanto es una escultura viva debido a este proceso natural propio de algunos materiales como los metales. Las siete placas están conectadas en la parte superior de la escultura formando así un heptágono. 


Esta obra se encuentra ubicada entre los edificios más modernos del mundo, los cuales se encuentran en la ciudad islámica de Doha.
Richard Long es otro de los artistas relevantes del movimiento. Se trata de un artista tremendamente comprometido con el paisaje, lo cual está presente siempre en sus producciones. Este británico es un artista al que le interesa para sus obras los elementos que se
encuentran sobre la superficie de la tierra, tales como arenas, tierras o piedras. Su obra Blaenau Ffestiniog Circle del año 2011 es un ejemplo clásico de Richard Long, él cual ha desarrollado varias obras con forma circular.


Para esta obra ha utilizado pizarra de Gales, pizarra que el artista recogió personalmente en la mina de Llechwedd.
Hans Haacke ha sido otro de los padres del Land Art que todavía sigue en activo en nuestros días. Una muestra de su aun constante actividad es que hasta el 23 de Julio del presente año ha estado exponiendo en el Museo Nacional Reina Sofía sus Castillos en el Aire.


Las principales preocupaciones de Hans Haacke son el mercado y los efectos de la globalización, pues se trata de un artista crítico y en muchas ocasiones controvertido.
Christo y Jeanne Claude eran una pareja de artistas que ha realizado múltiples proyectos dentro del Land Art.


Desgraciadamente Jeanne Claude falleció en 2009, pero sus dibujos y proyectos siguen presentes. Over the river ha sido uno de sus últimos proyectos como pareja, se trata de un trabajo temporal que estará situado durante dos semanas sobre el río Arkansas. Christo está trabajando para obtener los últimos permisos y si el proceso sigue sobre lo previsto, esta instalación será exhibida entre 2014 y 2015. Esta obra, como el resto de las obras de la pareja, se caracteriza por el uso de la tela como principal material. Se trata de unas telas traslucidas que taparán el cauce del rio Arkansas.


Los artistas eligieron este rio porque sus orillas son lo suficientemente altas como para que se pueda navegar en balsas bajo la instalación y así poder disfrutar de este proyecto no solo visualmente, sino también de un modo lúdico.
Podemos ver como los artistas del Land Art de la década de los setenta han ido recorriendo caminos diferentes, sin embargo todos continúan en una línea conceptual y minimalista. El Land Art o Earth Art fue un movimiento rompedor y experimental durante sus comienzos, cuando se estaba empezando a desarrollar la era de la postmodernidad, sin embargo en nuestros días múltiples artistas continúan el camino ya andando por los artista anteriormente citados tratándose todavía de algo novedoso, a pesar de tener medio siglo a sus espaldas, y para gran parte de nuestra sociedad siendo entre algo desconocido y rompedor.